jueves, 17 de noviembre de 2011

Identificación de películas en el video

He conseguido dar con 45 películas de las muchas que aparecen en el video, aunque la mayoría de las citadas son a partir de los años 80, ya que el cine clásico me va bastante poco.
Aquí la lista, en orden de aparición:
  1. Viaje a la Luna
  2. King Kong
  3. Gilda
  4. El Gran Dictador
  5. Con faldas y a lo loco
  6. El jovencito Frankestein
  7. Dolce Vita
  8. Psicosis
  9. Lo que el viento se llevó
  10. El Mago de Oz
  11. Robin Hood
  12. Mary Poppins
  13. Cantando bajo la lluvia
  14. El Padrino
  15. El Nombre de la Rosa
  16. La Gran Evasión
  17. Cyrano de Bergerac
  18. Cadena Perpetua
  19. Casino
  20. Grease
  21. Leyendas de Pasión
  22. Taxi Driver
  23. Sleepy Hollow
  24. Superman
  25. Indiana Jones y la última cruzada
  26. La lista de Schindler
  27. Scarface (El precio del poder)
  28. El Señor de los Anillos I: “La Comunidad del anillo”
  29. Pulp Fiction
  30. Trainspotting
  31. Esta casa es una ruina
  32. Karate Kid
  33. El príncipe de los ladrones
  34. Pretty Woman
  35. Conan, el bárbaro
  36. La vida de Brian
  37. El Gran Lebowski
  38. Excalibur
  39. Blade Runner
  40. Regreso al futuro
  41. Kill Bill
  42. Matrix
  43. Star Wars
  44. Alien, el octavo pasajero
  45. Odisea en el espacio

viernes, 11 de noviembre de 2011

"Yo, yo he tenido muchos nombres..."



    La historia transcurre durante la posguerra. Una niña llamada Ofelia llega junto con su madre, que se encuentra embarazada, a un pequeño pueblo. Allí hospeda el capitán Vidal, comprometido con la madre de Ofelia, cuya misión es aniquilar a las tropas republicanas de la zona. Un día al anochecer, la niña paseando por el bosque descubre un laberinto en el que habita un ser fantástico; el fauno. Gracias a él descubrirá que es una princesa de otro tiempo y que deberá pasar tres pruebas para regresar a su verdadero hogar.
    "El Laberinto del Fauno" (Pan's Labyrinth) es una película española dirigida por Guillermo del Toro.
    Nació en 1964 en Guadalajara, Jalisco. Guillermo del Toro es un cineasta que ha dirigido una amplia variedad de películas, desde adaptaciones de cómics (como Hellboy y Blade II), hasta películas de terror y fantasía histórica, dos de las cuales se sitúan en España en la época de la Guerra Civil Española y el periodo inmediatamente posterior, durante el régimen dictatorial del General Franco (El espinazo del diablo y El laberinto del fauno). Del Toro se caracteriza por imprimir una estética y ambientación espectaculares a sus películas, creando ambientes tétricos y agobiantes o situaciones mágicas y fantásticas. Sus trabajos incluyen frecuentemente monstruos o seres fantásticos.

Desde muy pequeño, Guillermo se relacionó con el mundo del cine; con 20 años ya ejerció de asistente de producción en el thriller el Corazón de la Noche, pasando a ser productor ejecutivo el año siguiente en la comedia Doña herlinda y su Hijo. Ese año comenzaba a pasarse a las labores de dirección: rodaba su primer corto, Doña Lupe, y era el asistente de dirección de Juan Antonio de la Riva (años después uno de los productores de El Espinazo del Diablo) en el drama ObduliaQuizá el propio De La Riva tuvo que ver en que le incluyesen como director en la serie mexicana de fantasía Hora Marcada, para la que dirigió 3 capítulos. Tras dirigir en la serie y terminar su segundo corto, Geometría, comenzó a trabajar como maquillador de efectos especiales en films de Arturo Ripstein, entre otros, mientras preparaba su primer largometraje, Cronos, que estrenaría en 1993. Esta película le abrió las puertas de par en par al mundo cinematográfico de Hollywood.
Sin embargo, su estreno en Estados Unidos con Mimic (1997) no fue demasiado exitoso y decidió regresar a México formando su propia productora, The Tequila Gang. Volvió a ganarse el respeto de los críticos con El espinazo del diablo (2001) y triunfó definitivamente en el género fantástico con Blade II (2002) y Hellboy (2004). 
Hasta ahora sólo ha sido nominado una vez a los premios de la Academia de Hollywood: en 2006 por El laberinto del fauno, en la categoría de mejor guión original. El film se llevó tres Oscar (maquillaje, fotografía y dirección artística) y siete Goyas, entre ellos el de mejor guión para Del Toro (no así el de mejor director).
    También ha sido productor de películas españolas como "El Orfanato" o "Los ojos de Julia". Sus próximos proyectos son como director de tres películas: Frankenstein (2012), At the mountain of Madness (2013) y Pacific Rim (2013).
    
El reloj de bolsillo que siempre lleva el capitán Vidal no es para que él sepa que hora es en cada momento (al menos no es su función principal), sino para que sepa la hora del momento; el momento de su muerte. Podemos observar que está constantemente limpiando sus engranajes, dándole cuerda y comprobando que funciona correctamente. El padre del capitán ya hizo esto; a la hora de morir, arrojó con fuerza su reloj para que quedase constancia de la hora de su muerte y que todos supieran que murió como un valiente. Sin embargo, el capitán Vidal no tiene esa suerte, ya que cuando pide que antes de que le maten le digan a su hijo cual era su nombre y a qué hora murió, Mercedes (Maribel Verdú) le responde que ni siquiera sabrá quién fue su padre.
    En mi opinión, creo que este tipo de películas son las que hacen falta para la industria cinematográfica española. Aunque claro, también hacen falta ganas, talento (que lo hay en España) y sobretodo, dinero. Como antes he nombrado, películas como "El Orfanato" y "Los ojos de Julia" son producciones españolas que se alejan de lo que hemos visto anteriormente en nuestro cine, y quizás eso es lo que ha hecho que sean grandes películas y que el público haya reaccionado muy bien en la taquilla. Otros ejemplos; Burried, Planet 51, Intruders...
    En cuanto a la película, algo que para mí cabe destacar es el maquillaje. La fantástica recreación del fauno o el monstruo de los ojos en las manos; es algo que lleva muchas horas y que consiguieron un realismo muy bueno, muy logrado. Los efectos, sin ser de lo último, están también muy trabajados y gracias a ellos son los que hace de esta película en ocasiones algo agonizante, bastante dura (la cara del soldado aplastada por los golpes de la botella, corte en la cara del capitán Vidal). También hay que nombrar el apartado de la banda sonora musical, compuesta por el turolense Javier Navarrete, que le valió la nominación a los Oscar. El personaje que más me gusta cómo trabaja es Vidal (Sergi López), con esa personalidad tan malévola y que no tiene compasión por nadie, ni si quiera por su hijastra, aunque creo que también hace un gran trabajo el Fauno (Doug Jones), que ya trabajó con Guillermo del Toro en Hellboy, con esos movimientos tan característicos y su expresividad con las manos. 
    En definitiva, una fantástica película que demuestra que se puede hacer buen cine en nuestro país si se lo proponen.


     




martes, 1 de noviembre de 2011

"Todos nos volvemos locos alguna vez"


"PSICOSIS"
    Una mujer llamada Marion huye de su ciudad después de haber robado una gran cantidad de dinero. Sin rumbo y desorientada, decide parar en un motel para dormir y marchar al día siguiente. El dueño de la residencia, Norman Bates, se obsesiona con la chica, y esto no agrada a su madre. Tanto es así, que ella misma quita la vida a la muchacha. A partir de aquí, comenzará la investigación de su muerte por parte de su hermana y su amado, con ayuda del inspector Arbogast. Él llegará a descubrir el enigma, pero no será mostrado hasta que los dos primeros se aventuren a indagar en el sospechoso motel y descubran quién es el verdadero asesino.
    Esta obra es trabajo del llamado "Maestro del suspense", Alfred Hitchcock. Nació en Leytonstone, Londres, el 13 de Agosto de 1899. Su entrada en el cine comenzó en 1920, creando los rótulos de varias películas mudas. Es así como empezó a trabajar como montador, director artístico y guionista en multitud de películas. En 1923, se le encargó el rodaje del corto Number 13 aunque la producción se detuvo y la película no se llegó a terminar. Más tarde, en 1925, filmaría su primera película completamente acabada: El jardín de la alegría, una coproducción germano-británica que se haría muy popular. Poco después, Hitchcock dirigió la primera película de cine sonoro de Inglaterra: Blackmail, en 1929. Con pocos trabajos, Hitchcock se convirtió en el icono de la industria británica. Películas como ¡Asesinato! (1930), El hombre que sabía demasiado (1934) y especialmente 39 escalones (1935) lo convirtieron en todo un emblema internacional del nuevo cine británico.
    En 1937, Hitchcock da el salto a Hollywood de la mano del prestigioso productor David O. Selznick. El primer trabajo que Selznick encargó a Hitchcock fue la adaptación de la novela de Daphne du Maurier Rebeca (1940). El film obtuvo once nominaciones al premio Oscar. Pero John Ford se llevó ese año el premio al mejor director por Las uvas de la ira, arrebatándoselo al británico, que jamás ganaría una estatuilla. La segunda película americana de Hitchcock volvería a estar centrada en Europa. Foreign Correspondent también fue nominada a mejor película. A partir de este momento y durante las tres décadas siguientes, dirigió películas en Hollywood; una por año, apareciendo él mismo en ellas a modo de cameo, sin diálogo. Posteriormente llegaría Sospecha (1941), protagonizada por Cary Grant, con quien mantuvo una gran amistad. Otro de sus grandes actores fetiche sería James Stewart, con quien coincidió por primera vez en La soga en 1948. 
En 1944 creó su propia productora junto con Sidney Berstein: Transatlantic Pictures. Ese mismo año, comenzó a trabajar con Ingrid Bergman, la primera rubia "hitchcockiana", por la que sentía fascinación. Rodó Encadenados (1946), protagonizada con Cary Grant. En 1958 recibió varios premios: el Globo de Oro a la mejor serie de televisión y la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián por "Vértigo (De entre los muertos)" (1958). En 1959 rodó Con la muerte en los talones, protagonizada por Cary Grant y Eva Marie Saint. En 1960 dirigió Psicosis, protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh. Fue uno de los mayores éxitos de su carrera. En 1963 filmó Los pájaros, protagonizada por Tippi Hedren y Rod Taylor. Su protagonista se convirtió en la nueva musa rubia. Entre 1966 y 1969 las críticas se volvieron en su contra. Cortina rasgada, con Paul Newman y Julie Andrews, y Topaz, con Frederick Stafford y Claude Jade, no tuvieron apenas éxito. Se decía que se esperaba un cambio de estilo. El propio Hitchcock lo buscaba, como prueban las imágenes encontradas en Frenesí (1972), protagonizada por Jon Finch, donde encontramos técnicas cinematográficas, desnudos y secuencias de una actualidad sorprendente. Pero el proyecto resultaba tan revolucionario como arriesgado y eso podía suponer la caída definitiva de Hitchcock como director. Así que los estudios Universal Pictures le denegaron el proyecto. En 1968 recibió un Óscar Honorífico, el premio en memoria de Irving Thalberg a toda su carrera, en la ceremonia de los Premios de la Academia. Aunque nunca recibió un Óscar competitivo, siempre se le ha considerado como el maestro del suspense. En 1979, el American Film Institute le otorgó el premio a la labor de toda una vida. Ese mismo año, la reina Isabel II del Reino Unido le concedió el título de Sir. Un año más tarde, el 29 de abril de 1980, falleció con 80 años en su casa de Los Ángeles.
   
 En cuanto a lo subliminal (el fragmento de la última escena), según mi punto de vista, parece como si el director quisiera decirnos que por fuera, Norman puede aparentar un simple muchacho inofensivo, pero en cambio, por dentro es una alimaña; un loco asesino que encierra una doble personalidad que, con el tiempo, termina por corromperse totalmente. Otra interpretación puede ser que , como se ve en la película, Norman deja de existir. Ya no es él, sino su madre. Su mente pasa a "pertenecer" a la anciana, mientras que el cuerpo sigue siendo el mismo, obviamente.
    En mi opinión, la película a quedado algo desfasada ya no en el apartado técnico (que también), sino en la perspectiva de cómo se cuenta la película. Hoy en día, una película como esta no genera realmente el terror que sí padeces (seguro) con, por ejemplo, "El Exorcista".El público de aquella época no tiene nada que ver con el de ahora. Creo que se le podría haber sacado más provecho a la personalidad malvada de Bates (Anthony Perkins). Más sustos, más horror (sin pasarse); creo que eso es lo que necesitaría para el público actual. En cuanto a las actuaciones, me quedo sin duda con la de Perkins, bordándolo en la escena final de la mosca. Debo decir que la escena anterior a esta última me parece de lo más prescindible, ya que todo lo que dicen y aclaran es algo que ya sabemos y acabamos de ver. En definitiva, una buena película en la que, a diferencia de otras, el paso de los años le ha hecho bastante daño, o eso es lo que pienso. Pero, aun con todo, estamos ante una de las películas más recordadas y homenajeadas de la historia del cine.




domingo, 23 de octubre de 2011

Fotograma subliminal en el final de "El Club de la Lucha"

Sinceramente no creía que pudiese explicar, y menos de forma razonada la siguiente cuestión. La verdad es que este tipo de películas de culto o coloquialmente hablando, raras, me gustan pero no suelo entender su mensaje. Me hubiera gustado saber si por mí mismo podría haber sabido que Bruce Willis estaba muerto durante toda la película en "El Sexto Sentido", pero cuando la vi, ya lo sabía de haberlo oído inumerables veces. Maldito spoiler.
  Bueno, a lo que voy. Cuando Edward Norton (el protagonista, cuyo nombre no se menciona en la película) comienza a narrar los lugares donde Tyler (Brad Pitt) ha trabajo a lo largo de su vida, el primero de ellos es como proyeccionista. Aquí explica que cada cierto tiempo hay que cambiar el rollo a lo largo de la película, puesto que suele estar dividida en dos o tres bobinas. Ahí muestra que al inicio de cada bobina, o al final, Tyler incluye un pequeño fotograma de imagenes, vamos a llamarlas XXX. Estas apenas son perceptibles por el ojo humano dado que están en pantalla durante milisegundos.
En mi opinión, creo que la imagen del final de la película marca el final de una bobina, pero no de una película cualquiera, sino de una etapa de la vida del protagonista. El final, para ser sustituída por otra nueva bobina, esta vez mucho mejor, con más calidad. Una nueva vida desde cero, con su amada Marla.

viernes, 21 de octubre de 2011

"15M" (Póster Ficticio de película)

En esta ocasión voy a dejar un aporte visual, en vez de escrito. Partiendo de la imagen de la portada del periódico ABC, he creado tres póster con aire cinematográfico (de acción, sin duda) del 15M con el eslogan oficial "Toma la calle". Dejo claro que en ningún momento pretendo asociar la violencia del cartel con las manifestaciones, es sólo puramente gráfico.



lunes, 10 de octubre de 2011

LARGA VIDA AL REY

DEBES VER... (I)


El número 1 de este apartado de Bridges Fox se lo dedico a una película que, personalmente, marcó mi infancia. Una mezcla de ternura con unas pinceladas de tragedia y otra pizca de comedia era suficiente para mantenerme sentado en el sofá durante hora y media y disfrutar de la película más y más con cada visionado que llevaba. Animación tradicional de la que ya poco queda y del talento de la productora, menos todavía. Hablo de (para mí una de las mayores obras maestras de la animación), "El Rey León".
  Todo comienza cuando los animales de la selva son reunidos para presenciar el gran acontecimiento y alabar al príncipe. Simba, el hijo del Rey Mufasa ha nacido, y por lo tanto es el próximo heredero de la corona. Sin embargo, no todos están contentos con la noticia. Scar, hermano de Mufasa y por lo tanto tío de Simba, no le gusta la idea de que haya un heredero a la corona y no sea él. Pronto, Scar planeará el asesinato del Rey y su hijo. Todo ello con la ayuda de las hienas, sus más leales sirvientes que a cambio de ayudarle a ser Rey, él les promete proporcionarles el alimento que cacen las leonas.
  Antes de que se me olvide, quiero nombrar el fantástico reparto de doblaje (en español) que hay detrás de la película y que creo que es una de las profesiones del mundo cinematográfico que más infravaloradas están. Dos de las mejores voces del doblaje español se encuentran en esta película. Hablo de Constantino Romero y Ricardo Solans (Mufasa y Scar, respectivamente). Habrás podido oír sus voces en actores como Arnold 
Schwarzenegger, Clint Eastwood o el personaje de Darth Vader; por parte de Constantino y con una amplia trayectoria de Solans: Robert De Niro, Al Pacino, Richard Gere, Stallone e incluso al mismísimo Charles Chaplin.
También cabe destacar la banda sonora musical de la película, compuesta por Elton John.
  Volviendo a la sinopsis, Simba (ya convertido en león) deberá volver al reino y derrotar a su tirano tío Scar, y así recuperar el sitio que le pertenece y proclamarse Rey. Otra gran escena de la película; cuando Simba habla con su padre desde el cielo y le hace ver que sin él, todo el reinado quedará destruido.

                                 
Así, emprende el camino hacia la roca del clan y junto con la ayuda de su manada y amigos logrará derrotar el imperio de Scar, para recuperar el sitio que le pertenece.
  En el reparto original se encuentran estrellas como Jeremy Irons o Whoopie Goldberg. Actualmente se ha reestrenado la película en 3d (no va ha ser la última en hacerlo) y a sido durante dos semanas consecutivas número uno en taquilla en USA. Así, es la película de animación tradicional más taquillera de la historia (sin contar el reestreno). En España habrá que esperar hasta el 23 de Diciembre para volver a disfrutar de este filme en la pantalla grande (y en pseudo 3D, puesto que es animación 2D).
  Siempre he creído que es la mejor de Disney, y de las mejores en animación tradicional. Pero hay que tener en cuenta que se han hecho maravillas con esta técnica, y más recientemente en animación por ordenador o también llamado CGI. Aquí tenemos a la expléndida productora Pixar (no hace demasiado adquirida por Disney y fundada por el recientemente fallecido genio Steve Jobs), que de ella han salido genialidades como "Toy Story", "Buscando a Nemo", "Wall·e", "Up"... Aunque a mí personalmente me gusta más la tradicional. Y es una lástima que ya apenas se hace cine de este tipo, casi sustituido por el digital. Bueno, al menos siempre queda el cine manga (sí, los dibujos japos de ojos grandotes), que también hay grandísimos trabajos como, unas de mis favoritas: "El Viaje de Chihiro" y "Tokio Godfathers".
  En definitiva, una buena película para todos los públicos (tanto niños como mayores) que mezcla géneros tan distintos pero que pegan tan bien como son la comedia y la tragedia. Personajes tan míticos como Timón y Pumba o el poco "enrrollado" pero divertido Zazú harán pasar un buen rato compensando esa "lagrimilla" que se escapa en los momentos más tragicos. 


lunes, 3 de octubre de 2011

"¡Distrefen, distrefen, distrefen!"


   
"EL GRAN DICTADOR"

    Durante la 1º Guerra Mundial, un soldado judío salva la vida al oficial Schultz, sufriendo un accidente que le dejará en el hospital durante un largo tiempo. Una vez recuperado, el judío continúa con su oficio de barbero. Pero pronto su vida y la de muchos otros se verá castigada por el poder de Hynkel, dictador de Tomania. Cuando sus tropas fueron a destrozar el gueto, apareció Schultz, y dio la orden de no molestar al barbero ni a sus amigos. Pero pronto terminaría la paz, puesto que el oficial se revela y ambos son perseguidos por Hynkel. Rápidamente se reunieron y planearon la huída, pero en el momento, son capturados. Afortunadamente, da comienzo la invasión desde Tomania y logran escapar. Por otra parte, dado que Hynkel compartía un gran parecido con el barbero, es capturado por confusión y el judío ocupa su lugar, finalizando con un emotivo discurso.

   Esta película está interpretada por Charles Chaplin (Londres, 16 de Abril de 1889 – Vevey, 25 de diciembre de 1977), del que dicen, es uno de los mayores cineastas de la historia del cine. Chaplin destacó en el cine gracias a su personaje de Charlot, cuya trayectoria comenzó desde la década de 1910 hasta los años 50.
     

     Su filmografía está compuesta de alrededor de 90 películas. En 1907, cuando tan sólo tenía 18 años, ingresó en la compañía de mimos dirigida por Fred Karno, con quien hizo su primera aparición en la obra de teatro "El partido de fútbol", con Stan Laurel. En 1909 hizo una gira por París y en 1910 viajó junto con el grupo teatral hacia América del Norte, donde actuaría con éxito en distintos teatros de Nueva York, Canadá y California. Más tarde, en 1912, se presentaron en Nueva York, Filadelfia, Chicago y Fall River. En 1913, el cómico Mack Sennett observó una de sus actuaciones y lo contrató para la compañía Keystone Studios por 150 dólares semanales. En 1914 realizó su debut cinematográfico en "Ganándose el pan de Henry Lehrman", donde diseñó su personaje caracterizado con unos pantalones holgados, un saco estrecho, un par de zapatos grandes, un bastón y un bombín. Continuó actuando en diversos cortometrajes e incluso rodó 35 películas durante 1914. A partir del cortometraje número once, pasó a dirigir el resto de sus obras. Las técnicas de Chaplin al momento de recrear su papel en cine incluían la mímica y los gestos (llamado comedia física o visual), debido a que la mayoría de sus películas fueron mudas. En 1915 se terminó su contrato con Keystone y se relacionó con la productora cinematográfica Essanay Studios, donde cobró 1.250 dólares semanales. Con esta empresa trabajó en 14 películas. En 1916, la MFG (Mutual Film Corporation) le ofreció 670.000 dólares, oferta que aceptó en la cual rodó otras 14 películas, entre ellas "Charlot, músico ambulante", "Charlot prestamista" o "The Fireman"En junio de 1917 se anunció que había firmado un contrato con la compañía "First National", con la que debería realizar 8 películas en 18 meses por 1.075.000 dólares respectivamente. Ahí dirigió el filme "Vida de perro". 
En 1919 fundó su propia productora junto a otros grandes actores de la época, llamada “United Artists”. Su carrera cinematográfica duró más de 7 décadas y en 1928 recibió un Oscar. En el 48, fue candidato al premio Novel de la Paz, pero tuvo que abandonar Estados Unidos puesto que fue asociado con el comunismo. La película más taquillera y posiblemente la más polémica de Charles Chaplin fue esta; “El Gran Dictador” (1940). Su última película sería en 1956, “Un rey en Nueva York”, dirigida por él mismo. Durante el rodaje fue nombrado miembro de la BFI (“Academia de cine Británica”). En 1972 recibió el premio Oscar honorífico. Murió en las navidades de 1977, en Suiza, del que hacía más de 30 años que ya vivía allí.
     En cuanto a los signos no verbales que aparecen en la película, cuyo uso más abundante desde mi punto de vista es en el discurso de Hynkel, se pueden reconocer tanto ilustradores como reguladores. 
     Cada frase que dirige el líder de Tomania al público, hace los gestos con las manos y brazos, como si las cosas que dijese tuvieran una interpretación gestual. El regulador que más se ve es cuando manda callar al público o termina de hablar, alzando el brazo hacia arriba, y una vez se ha hecho el silencio lo desciende rápidamente y continúa con su discurso. Con los ilustradores gana mucha más expresividad al hablar, con un movimiento continuo del cuerpo, especialmente los brazos, para enfatizar con mayor fuerza sus palabras. 
     También se puede observar que Hynkel muestra una actitud dominante sobre los demás, y sus aliados un gran respeto, incluso algo de miedo. Esto pertenece a los adaptadores. En la escena del globo terráqueo se observa una cara de gran felicidad, al pensar que todo el mundo va a estar en sus manos. Pero al final de esta, el globo se deshincha y su cara presenta inmediatamente tristeza, tumbándose en su mesa muy desilusionado.
     Por último, en la escena final, el barbero comienza ofreciendo el discurso suavemente y con temor, sin apenas cambiar las facciones de la cara. Tampoco se muestra movimiento en el cuerpo. Pero tal y  como avanza y adquiere más confianza de sí mismo va incrementando el tono de voz y sus expresiones se vuelven contundentes, con pequeños movimiento de cabeza y cuerpo, pero fuertemente ejecutados. Finalmente, levanta la mano y ve que el público le respalda a él y a sus ideas.
    En mi opinión, creo que es una gran película, que podríamos catalogarla como tragi-comedia dado el emotivo discurso final. No me atrevo a decir que sea la mejor película de Chaplin, puesto que no he visto muchas de su amplia filmografía, pero creo que es uno de sus mejores trabajos cinematográficos. De los personajes secundarios, el que más me ha gustado es el oficial Schultz. Ese aire de simpático y a su vez solemne creo que está perfectamente recreado.
    
En cuanto al apartado técnico, partimos de que es una película en blanco y negro, pero lo que me hubiera gustado que mejorase es el formato de rodaje. La película está rodada en pantalla 4:3, y en mi opinión el cine gana mucho en panorámico o Cinemascope.
    La escena que más me gusta de la película es el argumento que ofrece Hynkel al comienzo, sin olvidar el que finaliza con la película. Ambos expresan fielmente sus ideas y pensamientos, con la diferencia de que el primero es en tono de comedia y el segundo es más serio y emotivo.
    Por lo demás, vuelvo a decir que es una buena película para ver con amigos o familia, y que un re visionado no cansará; al contrario, volverás a disfrutar del fantástico espectáculo ofrecido por el grandísimo e inolvidable Charles Chaplin.


Hannah, ¿puedes oirme? Donde quiera que estés mira a lo alto, Hannah. Las nubes se alejan, el Sol está apareciendo, vamos saliendo de las tinieblas hacia la luz... Caminamos hacia un mundo nuevo, un mundo de bondad en el que los hombres se elevarán por encima del odio, de la ambición, de la brutalidad,... Mira a lo alto, Hannah. Al alma del hombre le han sido dadas... alas. Y al fin está empezando a volar... Está volando hacia el arcoiris, hacia la luz de la esperanza, hacia el futuro, un glorioso futuro, que te pertenece a ti, a mí, a todos. Mira a lo alto, Hannah, ¡mira a lo alto!
Barbero Judío 
Charles Chaplin